– Cet article a été rédigé par Neesha Kanga -
La tradition de la peinture de paysage est passée entre les mains des romantiques, des avant-gardes, des postmodernistes et de nombreux autres mouvements artistiques - et beaucoup de choses ont changé dans le monde depuis qu'ils ont adopté la toile. Une poignée d'endroits représentés dans peintures de paysages par des artistes célèbres ont résisté à l'épreuve du temps. Découvrez ces dix lieux réels à partir de peintures de paysages célèbres qui peuvent encore être visitées aujourd'hui.
1.Pêcheurs en mer (1796) - Joseph Mallord William Turner
Emplacement actuel de la peinture: The Tate Collection, Royaume-Uni
En tant que l'un des pionniers du romantisme, JMW Turner avait une affinité pour le Sublime. Dans l'art, le Sublime est un sentiment d'horreur délicieux - de belles catastrophes qui enveloppent l'esprit du spectateur et le rendent désespérément impressionné par la puissance brute de la nature. Les célèbres peintures sur la nature de Turner provoquent ce sentiment.
Pêcheurs en mer est l'une des premières peintures à l'huile de Turner. C'était également le premier à être exposé à la Royal Academy de Londres. La scène nocturne représente des pêcheurs sur un petit bateau en mer, luttant contre les hautes vagues. Le clair de lune lumineux contraste avec la maigre lanterne vacillante sur le bateau - symbolique de la vulnérabilité fragile des pêcheurs face à la mer déchaînée. Des falaises lointaines et déchiquetées s'élèvent de l'immensité de la mer au-delà. Tout ici est sur le pouvoir écrasant de la nature, un thème clé du Sublime.
Si vous souhaitez découvrir une fraction de Turner's Sublime, rendez-vous aux Needles sur l'île de Wight dans la Manche. Ce sont les mêmes silhouettes déchiquetées de roches perfides vues dans Pêcheurs en mer. Les aiguilles sont trois piles de roches de craie qui s'élèvent à environ 30 mètres de la mer. Bien qu'ils puissent être faciles d'accès, nous ne recommandons pas d'y aller en bateau par une nuit orageuse au clair de lune.
2. La nuit étoilée (1889) - Vincent van Gogh
Emplacement actuel de la peinture: Musée d'art moderne (MoMA), New York
Le 23 décembre 1988, Vincent van Gogh s'est admis à l'asile de fous du monastère Saint-Paul de Mausole après s'être mutilé l'oreille gauche. Pendant son séjour, il a reçu son propre studio et est devenu très apprécié par le personnel, malgré de nombreux accès de crises mentales et physiques déchirantes. Lors de son séjour à Saint-Paul, il a réalisé quelque 250 toiles, dont La nuit étoilée. Si vous recherchez des peintures de paysages d'artistes célèbres, c'est le jackpot sans équivoque.
La nuit étoilée est peut-être la peinture de paysage la plus célèbre au monde. Le chef-d'œuvre post-impressionniste capture l'état de rêve hallucinatoire de l'artiste et démontre la maîtrise par Van Gogh d'une forme violemment expressive. Le peintre de tournesols était également fasciné par les étoiles. Le sien Nuit étoilée sur le Rhône (1888) présente des tourbillons d'étoiles semblables aux croquis de minuscules galaxies tourbillons fait par les astronomes du passé. Van Gogh, qui était désabusé par le christianisme à ce stade de sa vie, aurait cherché la religion dans les cieux et les objets célestes.
Si vous voulez voir la ville de La nuit étoilée, vous aurez du mal à trouver la représentation exacte de Van Gogh à Saint-Rémy-de-Provence. Cette belle peinture de paysage très stylisée, bien que basée sur Saint-Rémy, est un amalgame d'éléments de la patrie de l'artiste, les Pays-Bas, et de ce que Van Gogh a vu depuis la fenêtre orientée à l'est de sa chambre d'asile de Saint-Rémy-de-Provence. Cependant, vous verrez de nombreuses autres scènes réalistes dans les champs de blé et les places de la ville de Saint-Rémy-de-Provence et à proximité d'Arles, où réside toujours l'aura incontournable de Van Gogh.
3. Fille dans un bateau, avec des oies (1889) - Berthe Morisot
Emplacement actuel de la peinture: National Gallery of Art, Washington, DC
Les femmes peintres paysagistes sont rares. Historiquement, les artistes féminines se limitaient à peindre des scènes d'intérieur, car on croyait que la fatigue extérieure du style de vie du paysagiste était mal adapté aux femmes. La peinture de paysage exigeait également une autorité et une compréhension du territoire parcouru; passer des jours et même des semaines à peindre un paysage tel qu'il est vécu, et le faire rendre par une perspective faisant autorité pour créer un récit entre l'artiste et le spectateur. C'est peut-être pourquoi si peu d'artistes féminines ont eu la chance de réussir dans le genre de la peinture de paysage.
Malgré son sexe, Berthe Morisot était parmi les impressionnistes les plus établis - en fait, elle a contribué à fonder le mouvement. Elle était mariée au frère d'Eduard Manet, qui a créé certaines des peintures naturelles les plus célèbres au monde. Morisot est la seule femme à avoir fait exposer ses œuvres au Salon de Paris aux côtés de Manet, Pissarro, Degas, Cézanne et Renoir. Malgré cela, son héritage reste relativement inconnu et certaines de ses œuvres ont été attribuées à ses contemporains masculins. Le sexisme de Manet l'a empêché de voir son vrai potentiel, comme il l'a dit: «… les Morisot (sœurs) sont ravissantes. Quel dommage qu'ils ne soient pas des hommes; néanmoins elles pourraient, en tant que femmes, servir la cause de la peinture en épousant un académicien.
Son art a capturé sans effort le monde des femmes dans un milieu dominé par les hommes. Le peintre paysagiste Jean-Baptiste-Camille Corot a exhorté Morisot à l'agrandir en plein air (peinture extérieure) en peignant le monde extérieur. Ses peintures de nature plus célèbres mettent en valeur son œil impressionniste vif. Fille dans un bateau, avec des oies est aéré et frais avec des éclats de luminosité pastel. Remarquez comment dans cette magnifique peinture de paysage, Morisot repousse la frontière entre l'esquisse et les coups de pinceau - une technique qui lui est propre.
L'endroit réel qui a inspiré cette peinture est inconnu. Cependant, Morisot peint fréquemment dans le Bois de boulogne, un grand parc public à l'extrémité ouest du 16e arrondissement de Paris. Les caractéristiques du parc comprennent un feuillage épais et boisé, beaucoup d'oies et une popularité parmi les peintres; sans oublier que les Parisiens des XIXe et XXe siècles adoraient les barques sur le lac. Nous pensons que Bois de Boulogne est un très bon pari.
4. Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte (1884–1886) - Georges Seurat
Emplacement actuel de la peinture: L'Art Institute of Chicago
Un dimanche sur la Grande Jatte est l'un des plus beaux exemples de pointillisme. Le pointillisme est… eh bien, imaginez si les impressionnistes n'utilisaient qu'une seule technique de pinceau - les points - et couraient avec. Paris est une mine d'or pour les peintures de paysages d'artistes célèbres, et cette scène historique se déroule le long de la Seine scintillante. Entre 1884 et 1886, Seurat a étudié et capturé le paysage de l'île de la Grande Jatte à Paris, développant méticuleusement le néo-impressionnisme dans le processus. C'était la réponse rebelle à l'impressionnisme et au postimpressionnisme.
De loin, Un dimanche sur la Grande Jatte n'a pas l'air d'être composé d'un million de petits points. Tout semble trop unifié et bien mélangé. C'est ce qui fait de ce chef-d'œuvre plus grand que nature l'une des peintures de paysage les plus célèbres. Un détail préféré est la femme bien habillée au premier plan qui promène son singe en laisse. Bien que vous ne puissiez plus emmener votre singe ou d'autres animaux exotiques au parc, vous pouvez toujours visiter l'endroit même représenté dans cette peinture.
Un dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte est situé le long d'une petite étendue de parc verdoyant à la pointe nord-ouest de l'île, face à la ville de Courbevoie. C'est là que les riches parisiens du XIXe siècle se sont retirés lorsqu'ils se sont lassés de l'agitation urbaine de Paris. Aujourd'hui, eh bien… grâce à un certain nombre de résidents célèbres de l'île, il est à peu près toujours utilisé pour la même chose.
5. La grande vague au large de Kanagawa (1830–1831) - Katsushika Hokusai
Emplacement actuel de la peinture: de nombreuses impressions originales de l'estampe se trouvent dans les collections de musées du monde entier, notamment le musée national de Tokyo, le musée japonais Ukiyo-e, le Metropolitan Museum of Art, le British Museum, le Los Angeles County Museum of Art, la National Gallery of Victoria à Melbourne et chez Claude Monet à Giverny.
Dans un monde dominé par le canon occidental, l'art non européen prend souvent le relais. Cependant, l'une des œuvres d'art dominantes en Asie de l'Est est celle de Hokusai Grande vague au large de Kanagawa. Cette gravure sur bois fait en fait partie d'une série intitulée Trente-six vues du mont Fuji (Fugaku Sanju-roku Kei).
Hokusai est né à Edo, ou Tokyo actuel, et s'est formé au style Ukiyo-e, qui se traduit par des «images du monde flottant». Dans son sens le plus simple, c'est un croisement entre le folklore, les scènes idéalisées, les paysages de voyage et la nature. C'étaient des éléments qui indiquaient le style de vie hédoniste dont jouissent les nouveaux riches japonais. Ukiyo-e est devenu central dans la formation de la perspective occidentale de l'art japonais. Les Français ont attribué le terme `` japonisme '' au phénomène, et le style a été très influent dans les œuvres des premiers impressionnistes tels que Morisot, Degas, Manet et Monet, ainsi que des post-impressionnistes tels que Van Gogh et des artistes Art nouveau. comme Toulouse-Lautrec.
La grande vague au large de Kanagawa est l'œuvre la plus emblématique au monde à sortir du style Ukiyo-e (si tatouages sont des mesures à suivre). Il représente trois bateaux menacés par une grande vague voyous tandis que le mont Fuji s'enfonce dans le contexte de l'océan violent. Malgré sa popularité, il y a encore un débat sur le lieu exact de la mise en scène de cette magnifique peinture de paysage. La réponse évidente serait «au large de Kanagawa», mais les universitaires et les critiques ne sont pas d'accord sur l'emplacement exact. L'hypothèse largement acceptée est, comme son nom l'indique, dans la préfecture de Kanagawa. Les choses peuvent sembler différentes aujourd'hui grâce à la modernisation rapide du Japon, mais gardez simplement le mont. Fuji au nord-ouest, la baie de Sagami au sud et la baie de Tokyo à l'est, pour obtenir l'une des 36 vues d'Hokusai.
6. Le monde de Christina (1948) - Andrew Wyeth
Emplacement actuel de la peinture: MoMA, État de New York
En parlant de peintures de paysages d'artistes célèbres, l'image d'une jeune femme pâle allongée dans un champ herbeux contre le paysage austère d'une ferme côtière du Maine est l'une des grandes peintures américaines. Wyeth Le monde de Christina est considérée comme l'une des peintures de paysage les plus célèbres à sortir du genre du réalisme américain du XXe siècle.
A la fois étrange et serein, l'artiste a rendu tous les éléments de la composition pour alimenter le regard du spectateur. De la pose tendue de la femme, à la maison principale qui semble avoir attiré son attention, et à la ligne courbe où les herbes courtes et hautes se rencontrent qui ramène notre regard vers la femme, chaque partie de cette célèbre peinture de la nature est en mouvement perpétuel et se sent vécu. Et c'est parce que Wyeth a vécu ici.
La femme dans le tableau est Anna Christina Olson, la voisine de Wyeth, et la ferme à l'arrière-plan est sa maison familiale dans le Maine. En tant que jeune fille, Olson a développé une maladie musculaire dégénérative - peut-être la polio - qui l'a empêchée de marcher. Olson, cependant, a refusé d'utiliser un fauteuil roulant, préférant à la place ramper vers le bas et vers le haut du terrain. Un jour, l'inspiration a frappé Wyeth et il a esquissé la scène telle qu'il la voyait. Cependant, Olson avait 55 ans à l'époque, alors Wyeth a utilisé sa femme Betsy comme remplaçant - d'où le cadre jeune de Christina.
La peinture est détaillée d'une manière que nous découvrons encore. Wyeth a beaucoup réfléchi au sujet et à son environnement. Il a capturé l'énergie nerveuse de Christina et a déclaré que «le défi [était] de rendre justice à sa conquête extraordinaire d'une vie que la plupart des gens considéreraient comme désespérée. C'est plus psychologique que paysage.
Aujourd'hui, vous pouvez entrer dans le monde de Christina dans les terres agricoles austères et balayées par le vent de la Nouvelle-Angleterre. La maison Olson, vue à l'arrière-plan de la peinture de Wyeth, se trouve à Cushing, dans le Maine. Christina est partie depuis longtemps, et le Farnsworth Art Museum est maintenant propriétaire de la propriété, ce qui signifie qu'elle est ouverte au public.
7. Wanderer au-dessus de la mer de brouillard (1818) - Caspar David Friedrich
Emplacement actuel de la peinture: Hamburger Kunsthalle, Hambourg
Une autre belle peinture de paysage est le panorama atmosphérique d'un homme debout seul sur un précipice rocheux, regardant au-dessus d'une mer mystérieuse de brouillard. Il est l'œuvre du peintre paysagiste romantique allemand du XIXe siècle, Caspar David Friedrich.
Tout comme Turner, Friedrich a fusionné les paysages avec le Sublime, créant quelque chose qui était plus grand et plus intense que notre champ de vision. Ses toiles émouvantes représentaient souvent le Figurine de Rücken, une personne vue de derrière. À travers cette figure sans visage, nous voyons le potentiel imposant de la nature idéalisée par l'esprit humain.
Friedrich a déclaré: «L'artiste doit peindre non seulement ce qu'il voit devant lui, mais aussi ce qu'il voit en lui.» Wanderer au-dessus de la mer de brouillard est le rêve d'un alpiniste - se tenir au-dessus de l'horizon où si peu de gens se sont tenus, et regarder le chemin dangereux et magnifique qui a été foulé. C'est un concept qui existait à peine au début des années 1800.
Pour obtenir le point de vue de Friedrich, dirigez-vous vers les montagnes de grès de l'Elbe en Saxe et en Bohême. Marchez à travers la campagne jusqu'au sommet du la Couronne impériale, et face à la colline à l'extrême droite, le Zirkelstein. Ce n'est peut-être pas la façon dont Friedrich l'a peint, mais n'oubliez pas d'utiliser les yeux de votre vagabond pour voir comme le faisaient les romantiques.
8. Le cri (1893) - Edvard Munch
Emplacement actuel de la peinture: Galerie nationale et musée Munch, Oslo
Tandis que Le cri n'est pas naturellement classé comme une peinture de paysage célèbre, Munch a rendu l'arrière-plan comme l'un des paysages physiques et psychologiques les plus emblématiques de l'art. Tout, du cadrage claustrophobe des sujets à la façon dont le fjord se dissout dans le ciel rouge sang, en dit long sur l'état mental de Munch à l'époque.
Munch était un homme avec un passé traumatisant, qui le hanterait pour le reste de sa vie. Il avait souffert d'alcoolisme, de perte et d'hospitalisation. Le cri a été peint quelque temps après que sa sœur ait été internée dans un asile de fous. Avant cela, il avait perdu une autre de ses sœurs à cause de la tuberculose. Le jour où Munch a été inspiré pour peindre Le cri, il marchait avec ses amis sur une route similaire à celle du tableau.
Il a décrit le moment qui a suivi comme s'il devenait physiquement détaché et hyper-conscient du véritable état de la nature: «Je me sentais fatigué et malade. Je me suis arrêté et j'ai regardé par-dessus le fjord - le soleil se couchait et les nuages devenaient rouge sang. J'ai senti un cri traverser la nature; il me semblait que j'entendais le cri. J'ai peint ce tableau, peint les nuages comme du sang réel. La couleur a crié.
Le travail de Munch n'a pas été bien accueilli de son vivant. Il s'est trop éloigné des conventions et a représenté les invisibles de la société. Maintenant, il est la fierté de la Norvège. Quelque 100 ans plus tard, vous pouvez marcher sur le même chemin que Munch lorsqu'il a été incité à peindre cette peinture de nature terrifiante et célèbre. Il était situé sur un belvédère (pas un pont ou une jetée, comme on le suppose souvent) à Valhallveien Road sur Ekeberg Hill, à Oslo. Le chemin est marqué par une plaque de cuivre qui dit «Skrik».
9. Paysage de Black Mesa, Nouveau Mexique / Out Back of Marie's II (1930) - Géorgie O'Keeffe
Emplacement actuel de la peinture: Tate Modern, Londres
La Mère du modernisme américain a peint plus que des gros plans de fleurs en forme de vulve et de bandes colorées de fleurs. Elle a également capturé l'aura sauvage et débridée de l'identité féminine dans les scènes qui l'entourent. Ses magnifiques peintures de paysages sont souvent négligées, car ses fleurs ont tendance à occuper une place centrale.
Au cours de sa relation tumultueuse avec le photographe Alfred Stieglitz, O'Keeffe a peint des scènes urbaines sombres et verticales de sa vie à New York. Ces peintures s'inspirent de la photographie urbaine de Stieglitz. Plus tard dans sa vie, elle a découvert son amour pour le paysage néo-mexicain. Les plateaux ouverts et blanchis par le soleil et les paysages accidentés lui ont fait signe, et elle a fini par s'installer à Abiquiú, près des Badlands.
Elle a passé la plupart de son temps à explorer ce monde différent, collectant des roches et des os d'animaux du désert, ce qui en faisait le sujet de son travail et des éléments architecturaux de sa maison. Ici, O'Keeffe a créé certaines de ses peintures de paysages les plus célèbres, l'une d'elles étant Paysage de Mesa noir.
Contrairement à la plupart des peintures de paysages d'artistes célèbres, Paysage de Mesa noir s'écarte des représentations traditionnelles des paysages. Son cadrage est particulièrement moderne - O'Keeffe a isolé une seule section des montagnes, les arrachant de l'immensité du désert. Ce cadre plus petit et plus étroit nous permet de nous concentrer vers l'intérieur plutôt que sur la totalité du paysage. Une attention particulière est portée aux couleurs; les tons froids et chauds contrastent les uns avec les autres, poussant et tirant simultanément le spectateur. Il y a des courbes douces et des plis de terre spectaculaires, évocateurs de l'eau qui coule et du tissu froissé. Cette juxtaposition d'éléments opposés est caractéristique des dichotomies souvent retrouvées dans l'œuvre d'O'Keeffe.
Paysage de Mesa noir est la vallée du Rio Grande à travers les yeux d'un moderniste. O'Keeffe a peint du ranch de son amie Marie Tudor Garland, et cette terre battue par le soleil a inspiré des dizaines de ses peintures au cours des deux prochaines années.
10. Vue sur la vallée de Yosemite (1865) - Albert Bierstadt
Emplacement actuel de la peinture: Musée d'art de Birmingham, Alabama
Albert Bierstadt était un peintre germano-américain qui a réalisé des peintures de paysages célèbres du vaste ouest américain. Il s'est formé à la Hudson River School, qui était étroitement calquée sur le romantisme, mais qui s'appelait plutôt Luminisme. Contrairement à Sublime de Turner et Friedrich qui utilisait des coups de pinceau visibles et parfois des éléments chaotiques pour créer une belle peinture de paysage, le luminisme américain visait à dissimuler la méthode et visait à transmettre la tranquillité et la douceur.
Bierstadt a rejoint de nombreuses expéditions d'expansion vers l'ouest et a peint des scènes de la nature sauvage américaine en cours de route. Certaines de ses œuvres les plus captivantes sont celles des montagnes avant qu'elles ne soient des parcs nationaux et des destinations de vacances. Ses paysages épiques ont parfois été critiqués pour avoir utilisé une lumière excessive et des éléments dramatiques, et son portrait des Amérindiens a été jugé trop empathique et estimé. Il n'était pas étonnant qu'il soit tombé en disgrâce auprès de la société et des mécènes.
Cependant, le travail de Bierstadt a contribué à susciter l'amour et l'appréciation des grands espaces. Sa peinture monumentale du soleil se couchant sur la vallée de Yosemite inspirera l'envie de voyager, même chez les citadins les plus urbains. Elle est également grande - l'une des plus grandes toiles de Bierstadt en fait, mesurant 1.6 x 2.5 mètres. La taille de la peinture devait peut-être rendre justice à l'expérience de Bierstadt du phénomène. La vallée de Yosemite continue d'être une source d'émerveillement et de beauté pour presque tous ceux qui la regardent. C'est un lieu de pèlerinage pour les amoureux de la nature et en particulier les grimpeurs en plein air qui sont fascinés par les itinéraires impressionnants d'El Cap, comme le perfide Nose, le mur historique de Salathé et le mur de l'Aube qui attrape les premières lueurs du jour. Bien qu'elle ait été créée il y a 155 ans, cette célèbre peinture de la nature est toujours pertinente pour capturer l'ambiance intemporelle de Yosemite.
Pour vous tenir à l'endroit que Bierstadt a fait lors de la création de cette magnifique peinture de paysage, dirigez-vous vers la vallée de Yosemite juste avant le coucher du soleil. Bierstadt a peint la vue depuis un point de vue juste au-dessus de la rivière Merced, à l'ouest. Gardez l'énorme dalle de roche qui est El Capitan à votre droite, et l'imposant Sentinel Rock à votre gauche; la flèche de Middle Cathedral Rock devrait être visible au loin.
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Libérez-vous des limites clairement définies des représentations traditionnelles du paysage et contemplez l'infini élémentaire offert par l'art de l'avant-garde. Prenez une peinture, comme celle de Kazimir Malevitch Carré noir (1913) par exemple, et examinez attentivement votre propre complicité dans le processus de création de sens de l'art.
Paysage ou pas de paysage, remarquez comment l'échange différent de capital culturel a brisé la société en une accumulation insignifiante de signes vides. Est-ce plus représentatif des paysages emblématiques de notre époque?